A. Environmental facts. Discuss under the follwing numbered headings. And how does each affect the action of play?
B. 전사(Previous action)
C. Polar attitudes of the principal characters, both in the beginning and at the ending
D. Significance of the facts in the total meaning of the play

A. Choice of words
B. Choice of phrases and sentence structures
C. Choice of images
D. Choice of peculiar characteristics (for example, dialect)
E. The sound of the dialogue
F. Strucutre of lines and speeches

A. Titles of the units. Number the units in the scene or play and give a nominative phrase as a title for each unit.
B. Detailed breakdown of the action. Do this before going on to (C) because the verbs will help you do summarizing of the units. Seperate the action into numbered units. Express the action in each line (speech) by using the initial of each character followed by a present-tense verb (for example, N pleads).
C. Summary of the action. Summarize the action of each unit by following the number of the unit with a compound sentence expressing reciprocal action (for example, A [present-tense verb] to B and B [present-tense verb] to A)

Treat each character under the following headings:
A. Desire
B. Will
C. Moral stance
D. Decorum
E. Summary list of adjectives

연극이란 무엇인가?
- 분석과 즉흥

희곡은 연출가의 일차적인 도구이다. 만약 당신이 그 안에 무엇이 있는지 모두 알지 못한다면, 길을 잃을 것이다. 성심껏 대본을 다루는 것은 당신의 일을 기초부터 아는 것이다.

당신은 연극을 어떻게 읽는지 아는가? 대부분의 사람들은 모른다. 그러나 다른 종류의 독서에서와 마찬가지로 책을 읽으면서 진행한다, 그러다가 스토리에 빠져든다. 그러나, 연출가는 아주 다른 방법으로 읽어야 한다. 모든 시작과 끝, 공백, 휴지 그리고 아주 기본적인 지문에 주목해야 한다. 더우기 연출가는 이것이 모두 극적 행동임을 인식해야 한다. 잠재적인 연출가로서 당신은 주어진 모든것으로 마음의 눈으로 배우와 무대가 움직이는 것을 상상해야 한다. 만약 당신이 쓰여진 대사가 무엇인지, 그것이 무엇을 의미하는 것인지 모른다면, 당신은 헤매거나 혼란에 빠질 것이다. 더 나쁜 경우는 눈앞에 펼쳐진 광야와 같을 것이다. 셰익스피어는 이미 400년전에 이 모든 것을, 그리고 자신의 이미지를 향상시키기 어려움을 이야기했다.

시인의 눈, 작은 광기로 굴리는
모두 본다, 천상에서 지상으로, 지상에서 천상으로
그리고 상상은 나아간다
알수없는 형태의 것으로, 시인의 붓끝은
그것들을 형상으로 바꾼다. 그리고 아무것도 아닌 것에서
삶과 이름을 부여한다.
- 한여름밤의 꿈 중에서

1. theatre 라는 스펠을 주의깊게 살펴 보았나? 19세기로 돌아가서, 사전 편집자인 Noah Webster는 단어들을 일반적인 범주로 묶어넣고 -er, -ing 같은 접미사를 붙였다. 그 이후로 대부분의 합중국 출판사들은 이를 따랐다. 그러나 그럼에도 불구하고 공연을 만드는 사람들, 특히 New York 에서는 오래된 스펠이 남아있다왜, 이 단어의 특별한 뜻과 역사적 의미 때문에. Theatre 는 역사, 전통, 모임, 공적이고 사적인 소통, 거울 영상 - 시각적이고 청각적인것 모두의 - 이고, 대단한 아이디어이며, 기억할만한 글자이며, 감정적인 정서이며, 살아있는 청중이며, 살아있는 배우이며 그리고 그 이상의 무엇이다.

2. live theatre 단순한 단어 'live' 는 TV나 영화와 같은 전자매체와 어떻게 다른가

3. 공연행위와 종교행사를 비교해보자. 무대 연출을 전통적인 개념의 오락물의 '제작자'로서 보다 '의식의 주관자'로 상상할수 있겠는가? 당신의 생각은?

4. 왜 연출가는 종교의식을 집행하는 집행자로 묘사될수 있는가?

5. 왜 live theatre 는 TV나 영화를 보는 것보다 '소속감'을 더 느끼는가?

6. 공연은 사회적 기능인가?

7. 당신은 왜 연극 연출을 하려 하는가? 당신은 아마 공연의 위치가 TV와 영화에 밀려 점점 줄어들고 있다는 것을 알고 있을 것이다, 그러나 당신은 이러한 강한 영향아에서 공연이 어떻게 바뀌었는지 알고 있는가? New York 시의 상업 공연장들이 주와 연방 세금, 사적인 기부의 지원으로 상업주의에서 종교적인 비영리 극장으로 바뀌어 가는것 비판적인 평가를 받아야 한다. New York 은 극장들의 경합에 있어서 여전히 가장 중요한 위치에 있다. 그러나 합중국 전반에 걸쳐 이루어진 탈중심화는 19세기의 city stock company theatre 와 같은 고전적이면서도 새로운 개념을 가지고 있다. 탈중심화로 질높은 극장이 확산되고 배우와 빠르게 declining medium 되던 극작가에게 더 많은 일을 주었다. 이것은 또한 아마츄어와 프로패셔널의 방대한 네트웍을 조직하게 하였다.

관객의 흥미 끌기 (Turning On Audiences)

이러한 고상한 이야기에도 불구하고, 우리는 연출가가 리드하는 목적이 entertain - "사람들을 감동받게 해! 사람들을 웃겨!" - 임을 절대로 잊지 말아야 한다. 그러나 이것은 여러가지 의미가 될수 있다. 여기에 어려움이 있다. 좋은 연출가는 '오락물'(entertainment)을 만드는 것을 최고의 목표로 삼지 않는다, 왜냐하면 entertain을 어떻게 하느냐가 중요하기 때문이다. entertain 이라는 말보다 더 좋은 것은 피동적인 관심을 움직여 관객의 흥미를 끄는 것(Turning On)이다. 이것은 관객들의 의지에 반하여 주는 관심이다. 이것은 연출가로서의 당신이 관객이 안절부절하고 꼼작못하게 객석 가장자리에 앉아있게 만드는 것이다. '그들을 사로잡았어'가 목적임을 잊지 말라.

오늘날 많은 영화와 텔레비젼 쇼에서 취해지는 연출 때문에, 우리는 그안의 폭력으로서의 오락에 괴롭힘을 당하고 있는 것처럼 보인다. 그러나, 좋은 연극을 만드는 것은 어떻게 사람을 죽이냐가 아니라, 왜 죽이느냐 이다. 나쁜놈을 죽이고 선한자가 살아남는 것은 단지 공포와 편견, 때때로 그것이 그리고 있는 폭력을 야기하기 때문이다. 좋은 연극 - 그리고 좋은 것보다는 나쁜 것이 많다 - 은 다른 것으로 만들어진다는 것을 기억하라. 당신은 사람들을 어떻게 즐겁게 하는지는 일찍 발견할수 있을 것이다. 그러나 좋은 연극을 만드는 것은 어렵다.

연출을 배운다는 것은 어떤 기능과도 같이 개인적인 발견 - 제2의 천성이 될때까지 기본을 연습하고 또 연습하는 - 의 과정이다. 얼마나 배우는 과정이 오래 걸릴 것인가는 당신이 자신만의 방법으로 메시지를 얻는 개념을 감지하는 능력에 달려 있다. 이런 종류의 책은 당신을 연출로 만들어주지 못한다. 왜냐면 아무도 연기를 가르칠수 없는 것처럼 아무도 당신에게 어떻게 연출을 하는지 가르칠수는 없다. 할수 있는 것은 당신을 헌신적인 학생으로서 자기 발견의 과정에 놓는 것이다. 당신 안의 예술가가 그 나머지를 할 것이다. '인생은 짧고 예술은 길다'는 옛 속담은 예술가가 자기 직업의 요구에 따라 크게 도전을 한 경우에만 진실이다. 그 다음에야 작품이 예술가 사후에도 남을수 있게 한다. 당신이 만약 연출가 - 공연에서 다른 사람들의 예술적 리더 - 가 되고 싶다면, 당신은 이것을 모두 배워야 한다.

연출가의 업무(The Director's Job)

연출가의 작업을 진행하는 큰 네 가지 축이 있다. 배우에서 무대제작에 이르기까지 제작의 모든 부분을 아우르는 연극에 대한 vision, 연극의 다이나믹 - 승강과 하강, 크고 작음, 느림과 빠름 - 에 대한 포괄적인 지식, 배우와 디자이너가 작품에 가장 창의적인 관심을 갖게 할수 있는 소통의 기술, 그리고 관객의 생각, 마음, 정신을 자극해서 entertain하겠다는 아주 강한 욕망.

(* 'entertain'이란 적절한 우리말을 찾기 힘들군요. 이중에서 내가 가지고 있는게 거의 없다고 봐야 하겠지요... 헙)

이것이 필요한 이유는 다름아닌 연출가는 공연에서 매우 큰 힘을 가지고 있기 때문에, 그 만큼 큰 것이 요구된다. 모순된 점은 극작가 처럼 연출가는 무대에서 보이지만 단지 배우와 디자이너가 만든 물리적인 무대에 의해서만 드러난다는 것이다. 교향악이나 오페라 지휘자 아니면 미식축구 코치조차도 물질적인 현존을 가지고 있는것과 대비된다. 그들은 확실하게 직접적으로 조화, 리듬, 분위기에 영향을 주며 눈에 보이게 공연을 진행한다. 그러나 연출가의 작업은 오직 배우와 디자이너의 작업이 관객에 미치는 영향으로만 평가될수 있다. 이런 측면에서 연출가는 보이지 않는 파트너이다. 앞의 그의 작업은 단지 고요일 뿐이다. 반대로 연출가는 화자이다. 말로 상상하는 사람, 왜냐면 그의 1차적인 작업은 소통 - 관객에 대한 직접적인 말이 아니라 그의 아이디어를 전달하고 관객에게 에너지를 전달하는 배우와 디자이너에 대한 - 이기 때문이다.

(* 서문에도 그렇고 he 와 she 의 사용에 대한 논란이 있습니다만. 우리말에서는 신경쓸 필요가 없기 때문에 '그'로 통일)

그렇다면 연출가의 일은 우선순위대로 소통하는 것이다. 연출가는 대본에 대해 아주 강한 감정을 가지고 있어야 한다. 그러나 감각은,비록 그것이 도움이 될지라도 연출가 지망생의 연출 능력을 정의 할수 없다. 왜냐하면 아이디어의 전이는 다른 사람의 마음과 느낌을 통해 이루어지기 때문에, 연출가의 도전은 다른 사람이 명확하게 상상하고 느낄수 있도록 마법의 샘을 건드리는데 있다.

이 도전은 연출가의 모순이다. 모든 예술가는 자신들만의 주관-객관의 균형을 맞춰 작업을 하지만, 일반적으로 우위를 점하는 것은 주관이다. 연출가는 예외적으로, 대부분의 작업이 의식적인 차원에서 이루어진다. Herbert Blau 는 에서, 자극하고, 혼을 찾아가는 연출가의 역할에 대한 연구는 "연출가는 두뇌가 되어야 한다"는 것과 대치된다고 하였다. 이 말은 연출가는 차갑게 객관적으로, 지성적으로 일해야만 한다는 뜻이 아니다. 이것이 의미하는 것은 연출가는 반드시 그의 감정을 믿고 무대에서 만들도록 도와주는 것에 직접적이고 정렬적으로 반응해야 한다는 뜻이다. 공연 연습 비평에서 연출가는 반드시 끊임없이 그가 느끼고 생각하는 것을 표면으로 꺼내와서 다른 사람들과 서슴없이 소통할하여야 한다. 연출가는 느끼고, 평가하고, 토의하고, 해결책을 창출해야만 한다. 이러 모든 연출가의 효율성은 정확하게 주관과 객관의 균형을 찾는 그의 내부와 외부의 반응에 있다. 이러한 균형을 성취하기 위해서는, 연출을 배우는 사람은 집중적으로 연극의 구조를 인지하여야 하고, 설득할수 있는 이론과 연기의 훈련과정, 무대의 물리적인 활용, 디자인에 대한 시각적인 능력을 기본적으로 가지고 있어야 한다, 연출은 제작의 종합적인 디자이너 - 기본적으로 상상을 성취하는데 집중하는 'idea person' - 이기 때문이다.

(* 이 문단 정확히 해석을 못하겠습니다)

모든 예술가는 반드시 그래야만 하는 것처럼, 연출가는 먼저 새로운 길을 찾아가는 모험적인 영혼이면서 극적인 시의 높이까지 '상승' 할수있는 사람이어야 한다. 너무 자주 연출가는 다른 사람의 창의적인 작업을 해석하는 사람으로 여겨진다. 그러나 만약 연출가가 시인이 무대에서 드러내고자 노력에 의해 성취된것과 어느정도 동일한 높이에 이르지 못한다면, 그 기능을 다하지 못할 것이다. 최선을 다할때, 연출가는 천사와 같이 상승을 하면서도 동시에, 언제나 이착륙을 하는 직업적인 비행 기술자인 것이다. 그는 비행기, 악기, 비행 계획 - 동시에 이루어지는 비행에 대한 한계 - 에 대해 안다. 무대는 대단한 기술로 조작되는 비행 기계인 것이다. 예술 형태의 한계를 알게 됨으로서, 그는 어떤 자유가 놓여있고 다른 사람들을 어떻게 리드해야 할지 알게 될것이다. 제한된 비행이 목적이다.

 1장 연출의 역할은 무엇인가 (Why the Director?)

 이 책은 리더쉽 - 특히, 현대 공연예술에서 연극 연출이 수행하는 예술 산업에서의 리더쉽 - 에 관한 것이다. 부록1에서 뮤지컬과 오페라의 연출에 대해서 다루기도 하지만, 이 책의 기본이 되는 글은 가장 역사가 오래되고(2500년) 현재 서구문화에서 계속 공연되고 있는 연극에 관한 것이 주요 관심사이다. 당신이 연출의 역할을 수행하고 있을때, 어떤때는 자신을 팀을 관리하고 경기장 옆에서 경기를 관리하는 미식축구 코치로 생각할 것이다. 또 다른 날은 자신 앞에 있는 바이올린, 호른, 타악기의 소리를 강조하고 섞는 자신을 마치 오케스트라의 지휘자처럼 생각할지도 모른다. 그러나 대부분의 시간, 당신은 새로운 아이디어의 에너지를 향해 열려있는 개개인들의 기술을 가진 다양한 예술가들의 리더(독재자가 아니다)인 자신을 발견할 것이다.

(* 참 가슴에 와닿는 얘기로군요. 서양 연극 역사의 연속성과 그리이스 연극의 특성이 현재 연극과 동일한지는 한번 생각해봐야겠지요?)

 이 책의 목차에서 보듯이, 이 책에서 제시하는 연출의 과정에는 크게 두가지 접근 방법이 있다. 첫번째는 무대와 배우를 통해 연극이 살아있게 만드는 모든 mechanis을 다루는 1장에서 22장까지의 내용이다. 두번째는, 23장에서 29장의 내용으로 희곡과 자신의 접근방법으로 스타일에 대해 연구하여 그 mechanics를 정제하는 작업에 관한 것이다. 어떤 미숙한 연출가는 두번째 내용이 더 좋아할지 모른다. 어쩌면 첫번째의 내용의 이해없이 연출을 제대로 할수 있을것이라 생각할지도 모른다. '어떤 그'가 당신이 아니길 바란다. 걸음마도 배우지 않고 뛸 수는 없다. 자기 자신의 연극을 만드는 것은 이런 mechanics를 잘 이해한 뒤에도 얼마든지 할 수 있다. 또 글을 읽는 것만으로는 충분하지 못하다. 그래서 매 mechanics 마나 연습문제를 두었다. 연습문제를 진지하고 명백하게 풀어라. 그것은 당신을 연극제작의 일반적인 접근방법으로부터 개인화되고 환상적인 특정한방법까지 인도해줄 것이다.

(* mechanics에 대한 번역어를 못 골랐습니다. 두번째 문단부터 벌써 지쳐서 마구잡이 의역이 시작되었습니다)

 이 책은 연출의 과정에 관한 것이지만, 또한 작가, 배우, 디자이너도 염두에 두고 집필되었다. 관객들이 보고 듣는 것은 바로 그들의 작업이기 때문이다. 연출가는 그들의 가장 창의적인 모든 재능을 표현하도록 충동하거나, 작품의 모습을 만드는데 도움을 줄 수는 있지만, 그들이 연출가의 상상력이 의도한 바에 대해 적극적인 대화자가 되어 작업에 대한 이해를 하지 않는다면, 그들은 단지 기계적으로 프로젝트를 수행할 뿐이다. 목적은 언제나 합성에 있다. 연출가와 협력자의 관계속에서 협업하는데 있다. 이 예술가들은 이 책에서 이 것을 찾을 것이다.

(* 그렇습니다. 연출은 남들에게 일만시키는 이상한 존재지요)

 이 책은 또한 고등학교 수준의 작품을 제작하는 연출가를 위해서도 씌여졌다. 결론적으로 말하면 이런 수준을 위한 연출 방법이 따로 있는 것은 아니다 단지, 초보자에게는 좀 덜하고, 전문가에겐 좀 더하겠지만, 연출은 연출이다. 당신이 어떻게 연출해야 하는지를 알거나 혹은 모르거나, 당신이 전체 제작 과정에서 무엇인가를 배운다면, 다른 수준의 작업(초보, 중급, 고급, 프로에서조차)에도 적용 가능함을 알수 있을 것이다. 희곡문학에 대한 연구, scenic materials에 대한 기본 수업, 연기 수업, 제작과정에서 있었던 그냥 연극하기에서 당신이 경험한 것들은 이미 당신의 상상력에 광대한 영향을 미쳤을 것이다. 당신이 빠져드려고 하는 연출이라는 분야는 공연에서 가장 뚜렷하고 연구가 요구되는 분야이다. 그러나 이 글의 목적은 시스템 - 특정적이고 올바른 길 - 을 팔려는 것이 아니라, 오히려 이 책의 목적은 연기, actor-ownership 등 기타 연극을 만들기 위한 기술에 관한 연극의 구조에 대한 집중적인 조명에 있다. 당신이 모든 것을 알았을때, 당신은 당신자신의 친근하고 창의적인 접근방법을 궁리해낼수 있을 것이다. 이 연출 공부는 지켜야할 법칙이라기보다, 과정을 꿰는 과정이다. 당신이 연출이 다른 창의적인 예술가들의 보다 계몽된 리더쉽의 형태라는걸 느끼게 된다면, 당신은 자신의 창의적인 작업을 수행하는데 해방되고, 어떤 일을 하는 형식에 얽메이지 않게 될것이다.

(* '-'(dash)의 사용이 좀 애매해서 괄호와 접속사로 바꾸었습니다)

 이 책의 주제는 연출의 과정이지 역사가 아니지만, 공부를 진행하가면서 미국에 19세기 후반까지 다른사람을 리드함에도 불구하고 연출가가 존재하지 않았음을 알게 될 것이다. 사실 연출가는 1915년에 그 시대의 '새로운' 극장이 이전의 사업중심적이고 기계로 만들어진 무대를 던져버리고 새롭고 창의적인 희곡을 선택하기 전까지 나타나지 않았다. Provincetown Players와 New York Theater Guild가 선도했으며, Eugene O'Neil 과 같은 미국 작가, 그리고 예술극장 컨셉과 함께 George Cram Crook, Oson Wells, Harold Clurman, Elia Kazan과 같은 새로운 미국 극작가들이 있었다. 예전에는 '무대감독'이 작업을 주관했고, 배우의 역할과 무대사용을 도와줬고, 무대 목수, 배경 화가 등을 상황에 맞춰 제한적으로 조직하였다. 의상은 배우가 직접 준비하였다. 그러나 1915년 이후로 유럽 스타일에 맞춰서 연출가는 예술적인 방법에 대해 모든 것을 알고 있는 창의적인 진행자가 되었다. 연출가는 그 자신의 권리로 극장에서 인식되었는데, 이것은 배우의 앙상블과 무대의 예술적 정렬을 보게 해주었다. 연출가들은 자신이 위주가 되는 극장에서의 위치와 학교에서 공연 기술을 가르치는 전통을 세우게 되었다. 더 많은 양의 내용이 미국 연극사에서 언급될수 있겠지만, 지금은 과정 그 자체를 시작하는것으로 충분할 것이다.

(* 그렇다. 이건 미국얘기였다. 우리나라 얘기는 어제 들어볼수 있을까)

이번 겨울에 공부를 겸해서 유명한 연극 연출 교과서인 Francis Hodge 의 'Play Directing'을 번역하려고 합니다.

제목: Play Directing : Analysis, Communication, and Style
판차: 6판
저자: Francis Hodge, Michael McLain
출판사: Allyn & Bacon
ISBN: 0205419232

작년에 도서관에서 5판을 빌려 보다가, 구입을 하는게 좋을거 같아서 찾아보니 6판이 나왔더군요.

5판과 6판의 큰 차이는 Michael McLain 라는 공저자가 생긴것과
정확히는 모르겠지만 출판사와 배급사가 바뀐거 같네요.
그리고 책 크기도 꽤 커졌습니다. 또 하드커버 밖에 없어서 책장을 넘기기 좀 힘들군요.